Historia del graffiti Parte 1

Desde los finales de los años 60 en New York los jóvenes empezaron a escribir su nombre en las paredes de sus respectivos barrios aunque más que su nombre usaron pseudónimos para de este modo crear una identidad propia en las calles. Entre muchos personajes pioneros de esta cultura uno de los más conocidos es Taki 183 el cual tenía un origen griego y que desde la edad de 17 años comenzó a poner su apodo en las paredes, Taki era su apodo y 183 era el numero de la calle donde vivía ya que el poner el nombre seguido del numero de la calle era algo significativo para estos autores del arte urbano. Otros autores destacados de aquella épocas fueron: Frank 207, Chew 127, Julio 204, Bárbara 62…. los cuales al principio no buscaban un estilo sino mas bien que sus nombres estuvieran en todos lados y fue en ese momento donde se causo un Boom y cientos de jóvenes comenzaron a poner sus nombres en las paredes de la ciudad creando de este modo la necesidad de crear algo distinto en lo que respecta al diseño y caligrafía incluyendo los lugares utilizados.
Un ejemplo lo tenemos en Soul 1 un escritor de la zona de Manhattan el cual se dedico a plasmar su nombre en la parte media alta de los laterales de edificios de la zona otro caso muy sonado fue el de seen el cual pinto su nombre en la colina en la que se encuentran las letras de Hollywood. En cuanto a la caligrafía en un principio se usaba un tipo de letra legible cosa que cambio posteriormente con la llegada de TopCat desde filadelfia el cual empezó a usar un tipo de letra alargada y muy juntas. Sin duda muy difícil de entender pero logro el objetivo de destacar y llamar la atención, acto seguido otros jóvenes empezaron a crear sus estilos propios las cuales se basaban en letras mas separadas y decoradas con flechas, corazones , flores u otros símbolos fue de este modo como surgieron los primeros tags con “outline” (filete o línea de borde) iniciados por Super Kool y que más tarde Phase 2 perfeccionó dando como resultado unas letras más gordas perfiladas y coloreadas: bubble letters ,de hay salieron estilos entre otros como throw up,block letters.lo que mas tarde dio lugar al denominado Wild style conocido como el estilo salvaje.
Finalmente para la parte final de la época de los 70 el graffiti alcanza un paso alto con la incorporación de la iconografía popular tales como los personajes de comics o dibujos animados incluso autorretratos expresados en caricatura, gracias a la inclusión de estas imágenes se empezaron a ver obras maestras que distinguían a los verdaderos maestros de los novatos conocidas como Masterpiece que no solo se destacaban por la complejidad y calidad si no por el tamaña extenso de sus obras. Por supuesto los seguidores del writing no se quedan de brazos cruzados y arden en agresividad dando inicio a las guerras de estilo conocidas como Style Wars.

Graffiti Boicot

Esa época de encanto no dura para siempre, de inmediato las autoridades empiezan a poner medidas contra los graffiteros, aumentando mas la seguridad, tomando medidas preventivas como cubrir los vagones del metro con una pintura resistente, mejorando las cercas para las cocheras… lo que causa que en cierta forma los que se dedicaban a esto flojearan un poco, aunque sin duda nunca falta los que siguen adelante ante este tipo de resistencia, aunque muchos buscaron alternativas como viajar a Europa dando a conocer esta cultura en esta parte del continente.
A mitad de los 80 llega un nuevo salvador para el graffiti y más cuando las autoridades ya tenían por asi decirlo casi  todo controlado, pocas  personas  veían  tags o se encontraban muy escondidas y estamos hablando de la llegada delHip-Hop el cual causa un renacimiento en la ciudad neoyorkina y ya no solo veíamos graffiti si no que estos eran acompañados por los seguidores de este movimiento urbano y motiva a su vez la reaparición violenta del writing causando que las autoridades incluso tengan que retirar vagones dañados hacia cocheras de chatarra lo que impulsa de este modo a los seguidores del writing por recuperar los viejos tiempos y obtener una foto con su trozo de vagón de metro neoyorkino.
En europa se inicia el movimiento con la llegada de graffiti y el hip hop para los mediados de los 80 junto con la llegada del break dance y el rap de este modo empieza a extenderse el graffiti por las calles y paredes de Europa y empieza elgraffiti a incluirse en la sociedad  convirtiendo en un esfuerzo inútil por parte de las autoridades detener esta expresión cultural.

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Historia del graffiti en New York 2

Si nos tocara mencionar un factor común entre todos los escritores que plasmaron su arte en el metro de New York creo que el más adecuado sería el de “competición” ya que era esto lo que sobresalía a la hora de querer llamar la atención de modo que eran muy pocos los que realmente podían contar la historia del metro de new york sin pasar por alto sus múltiples pintadas

Etapa de Gestación:

Una de las etapas más primitivas del graffiti en el metro de nueva york, cronológicamente hablando se enfoca entre finales de los años 60 y mediados de los 70 otro aspecto digno de destacar es que hubo una evolución entre el uso de los primeros pinceles hasta el uso de los aerosoles que lógicamente eran más prácticos y eficaces. Las primeras tags en popularizarse fueron las de Taki 183 y otros escritores de su época ya que si nos remontamos a un poco mas de la historia recordaremos que Top Cat se implanto en otros escritores de la zona dando motivación a otros a crear estilos propios. Luego en la época de los 70 nacieron otras innovaciones por parte de super kool y Phase 2 los cuales sintieron la necesidad de destacar sus diseños ante la gran cantidad de firmas que cubrían los vagones del metro.
Super Kool en 1972 creó su primer intento de Obra Maestra la cual posteriormente termino siendo simplemente una obra, los estilos de firma evolucionaron gracias a la llegada de nuevos rotuladores de nuevas punta igualmente paso con los sprays con nuevos caps. Luego armado con un spray rosa con la válvula modificada, Super Kool en un apartadero de la calle 221 pinta su nombre con grandes letras rosas, la obra estaba algo torcida y con un estilo de letra algo irregular pero sin duda era la tag mas colorida de las que tenía en ese momento los vagones del metro . Por otra parte Phase 2 si desarrollo una Obra Maestra el cual partia desde el diseño básico de Super Kool pero con letras bien formadas pinto su nombre en letras muy grandes y huecas las cuales el mismo bautizo como “Letras Pompas”  ((Bubble Letters).
Phase 2 y SuperKool encendieron la mecha de la etapa que posteriormente estallaría en una Guerra de Estilos (Style Wars) aspecto que dejo las antiguas letras primitivas para un nuevo concepto y variedad de estilos dentro de los cuales podremos hacer mención especial a Pistol 1 el cual fue el primero en escribir su nombre usando letras con una visión tridimensional, que con el paso del tiempo muchos ya habían adoptado,incluso mejoraban el estilo adaptandolo a su gusto.

Etapa de Guerra de Estilos

La misma comienza en las etapas de principios de los 70 y 80 donde el concepto de competición alcanza su máximo auge y se incluye a esta cultura una nueva palabra a su vocabulario conocida como “Maestro de Estilo” aunque ya anteriormente se habían otorgados títulos similares a otros escritores. La guerra se hizo tan intensa que algunos escritores llegaron a incluso cambiarse de nombre para ver si una nueva combinación de letras le daba la inspiración para nuevos diseños. Los escritores luchaban para superarse los unos a los otros usando diferente tipo de caligrafía, colores y diseños, incluso fue progresivamente aumentando el tamaño de las obras.
Poco a poco las obras fueron aumentando cada vez más su tamaño y complejidad hasta que a finales del 73 se pinto el primer  “Whole Car” o Vagón entero, pintado  por  Flint 707, causando que los vagones enteros se generalizaran y al mismo tiempo perfeccionaran con dibujos y diseños más complejos incluyendo en estas obras dibujos animados o formas muy complejas. Todos pensaban que la única regla seguida por los amantes de los graffiti era el de la calidad de las obras, pero posteriormente eso se convirtió también en la cantidad de las mismas introduciendo nuevamente otro término al vocabulario: “el rey de la línea” el cual se le atribuía a aquel que realizaba una gran cantidad de obras, esto sin importar la calidad de las mismas.
Lo anterior causo que muchos escritores buscaran la manera de multiplicar sus firmas fuese el medio que fuese y  es aquí donde se populariza el tipo de diseño llamado “Throw Ups” o Vomitados los cuales eran usados para referirse a las obras simples y pobres tanto en diseño como en ejecución cosa que cambio cuando In encontro la manera de cómo hacer de este defecto algo verdaderamente productivo. Su nombre se empezó a ver una  y otra vez en cada vagon y diferentes parte con forma de “potas” y aunque no era tan popular por sus diseños era el que más se destacaba en cuanto a cantidad y el más visto In celebró su throw up número 5.000 pintando un vagón entero de lo más espectacular cubierto de estrellas y colorido como un arco iris, como queriendo demostrar que también podía hacer obras mayores si se lo proponía, fue declarado rey de todas la lineas,cuando llego a las 10.000 con letras tridemensinales in  se retira volviendo a pintar un vagon entero.

Etapa de Supervivencia:

La etapa de las guerras de estilos duro hasta los principios de los 80 cuando el graffiti comienza a sufrir una dura persecución. Todos los escritores podían acceder a los lugares donde se dedicaban al graffiti con cierta facilidad cosa que cambio bruscamente cuando el ayuntamiento de Nueva York, ayudado por la transit Police Departament, decidieron con esta manera de expresión incrementando la vigilancia y los métodos de seguridad. Ese mismo año se incremento el mantenimiento de los vagones limpiando y pintando una y otra vez. Estas medidas ayudaron a disminuir en cierto modo el número de pintadas mas no lograron acabar con todas. El futuro del graffiti ya era algo incierto y luego para completar un poco los fabricantes de spray de pintura desaparecieron por otros nuevos.

   

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Historia del graffiti  en España 3

En España el graffiti se remonta a principios de la época de los 80 con uno de sus personajes más representativos para aquel tiempo: Muelle. Este Hombre impulsó el graffiti en España  por su apodo convertido en rubrica, la cual no tenía muchos propósitos artísticos realmente tampoco tuvo mucha fortuna a la hora de colocar su creación, el soñaba con derechos de autor y un local para él y sus colegas poder practicar nuevas obras y rock. Sus cálculos en una estación de metro causo que Muelle se ganara muchos enemigos tanto por parte de los metropolitanos como de otros escritores, en 1985 Muelle registra su logotipo en la propiedad industrial y no permitió que su nombre quedara vinculado con alguna marca comercial, de hecho sostuvo polémicas diversas tanto con una agencia de publicidad, como con el propio estado acusándolos de plagio de su logotipo. En 1987 fue multado por 2500 pesetas cuando fue sorprendido mientras plasmaba su rúbrica sobre el pedestal de la estatua al oso y el madroño.
Son pocas las piezas actuales de la obra de Muelle que fueron conservadas, Muelle fallecido de cáncer a la edad de 29 años. Muelle también viajó con su arte fuera de Madrid y allá por donde anduvo no se recató en dejar huella. La huella del aerosol.

Mi firma en las paredes (Muelle) Pelicula

Los llamados flecheros madrileños representan a un colectivo de jóvenes graffiteros madrileños de la época de los 80 que desarrollaron un estilo de graffiti autóctono, el  termino de flecheros se debe a la inclusión de flechas en sus respectivas firmas las cuales surgen de manera natura sin referencia al graffiti importado de estados unidos. Después del pionero de Muelle en España otros escritores destacados son: Rafita, Max 501, Blek “La Rata”, Glub, Remebe, Tifón, Josesa Punk todos con una filosofía del graffiti definida y organizada generalmente en céntricas calles o autopistas. Se caracterizaban, además, por el hecho de engordar su firma añadiéndole bordes, brillos y sombras para hacerla destacar. Como ya se menciono anteriormente el graffiti de España no está vinculado con el de Estados Unidos y dentro de las características de estos graffiteros eran por lo general heavies, rockeros o simplemente no pertenecían a ninguna tribu urbana esto hasta la llegada de una segunda oleada en la época de los 90.

Land Art

Spiral Jetty, que se considera la obra más importante del escultor estadounidense Robert Smithson, una escultura earthwork construida en 1970, fotografiada en abril de 2005

El Land Art es una corriente del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la calle (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidense a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, (palabra que puede traducirse como " trabajo de tierras ".

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura yarquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta ysetenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.

Finalidad

Milagrosa espiral de güejar sierra, proyecto realizado por los alumnos de laEscuela Técnica Superior de Arquitectura de Granada

Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre elhombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.

El artista del Land Art utiliza como materia prima para sus obras la tierra, el medio ambiente. El soporte y el material es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural, lo mismo montañas, que desiertos. Su principal técnica es la instalación en el paisaje, en donde sus trabajos llegan a interactuar con el medio ambiente ahora de forma más directa, modificando una fracción del paisaje. Los artistas del Land art corrigen la topografía, cavan zanjas, simas o surcos; hacen grandes movimientos de tierras usando excavadoras o camiones oruga; construyen enormes rampas o embalan edificios (Christo) o rocas; distribuyen colorantes en playas o desiertos, pintan árboles o piedras... Algunos, como Richard Long, simplemente caminan una y otra vez para marcar un camino, o colocan piedras, o hacen espirales con algas.

Para ello el arte interviene dentro del paisaje, dentro de la estructura misma de éste, modificándolo. Ya sea desde una postura contrastante o mimética, en la cual se realiza una operación extractiva o sumativa, construida con elementos que se encuentran dentro de este mismo entorno (tierra, agua, luz, etc.)

El paisaje es parte fundamental de la obra, el que indica muchas veces el que hacer. El artista dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra realizada en él conservará esta conversación. Así surge la transformación que permite a esta experiencia artística recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones.

El Land Art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico pero siempre bajo el imperativo artístico, con la naturaleza. Expone delante del espectador un mundo que requiere de éste para su comprensión que se compenetre con mucha más intensidad que la empleada para la simple visión de un paisaje.

Para conseguir que el hombre pueda apropiarse del territorio, modificándolo y reinterpretándolo según su sensibilidad, es necesario que el artista entienda el lugar en el cual va a trabajar, compenetrándose con él. Con el Land-Art, el hombre deja su huella en la Naturaleza, estructurando un nuevo paisaje bajo su sensibilidad y su capacidad de interpretación de la misma.

La obra resultante es mucho más efímera que la resultante del arte convencional. De ahí que se fotografía o se recoge en planos, bocetos o grabaciones audiovisuales. Cuando así es mostrada al público en exposiciones y galerías, el espectador debe «re-construir» mentalmente lo ocurrido, según la historiadora del arte Antje von Graevenitz.

Historia

El Land Art como lo conocemos actualmente, inicio a partir de los años 60, fue cuando este fenómeno comenzó a tomar forma y al pasar el tiempo han surgido varios artistas que apoyan esta noción. Los primeros en darse a conocer en este ámbito fueron Robert Smithson y Michael Heizer, quienes emplearon materiales de la naturaleza para el desarrollo de sus obras artísticas. En un principio Michael Heizer denomino a su arte como “Negative Sculputure”, en esta escultura el autor quiso enfatizar su apreciación tanto aérea como presencial, mientras caminaras en ella, notando la grandeza de su obra.

“Es interesante construir una escultura que intenta crear una atmosfera de asombro. Pequeños trabajos también pueden lograrlo, pero esa no es mi experiencia. Inmensas, arquitectónicamente grandes esculturas, ambos como objeto y atmosfera (…) Creo que las grandes esculturas producidas en los´60s y ´70s por un gran número de artistas fueron una reminiscencia de la época cuando las sociedades estaban comprometidas a la construcción masiva de significantes obras de arte” (Michael Heizer, 1984)

Este importante persecutor, e incluso considerado iniciador del Land Art, comparte su idea de lo interesante que es construir una escultura que inspire reverencia y respeto a la atmósfera que lo rodea. Él dice que las esculturas creadas en estos años, 70’s y 60’s, fueron creados por personas, inmensas con ideas masivas de trabajos de arte.

Por otro lado, tenemos a Smithson quien murió en un accidente aéreo, mientras iba en camino a apreciar una de sus obras de arte. El también creía en la inmensidad de las cosas, que debe ser apreciado como un detalle que cambia el enfoque del resto. A pesar de su corta carrera, Smithson logro desarrollar muchas obras, que incluían el uso de miles y millones de pequeños materiales que formaban grandes figuras en la tierra. Además de ser un escultor, también narraba sus obras en películas para compartir su ideología, la cual trataba de reflejar su protesta contra el mundo industrializado y su olvido hacia el resto de la maravillosa naturaleza.

Exponentes y formas del land-art

Exponente en relación entre el paisaje y el arte:

Empleo de materiales de la naturaleza

1.      Tierra (Robert Smithson, Michael Heizer). Ejemplo de ello serían las obras de Michael Heizer Doble negativa (1969), con 240.000 toneladas de arenisca excavadas y desplazadas en el Río Virgen, Mormond Mesa, Nevada, o su Masa desplazada/reemplazada del mismo año, en Silver Springs, Nevada.

2.      Maderos, troncos, etc. (Nils Udo, Gary Rieveschl, Andy Goldsworthy)

3.     Piedras, amontonamientos, túmulos (Richard Long, Andy Goldsworthy, Carl Vetter, Alan Sonfist). Podría citarse como ejemplo la obra de Richard Long Un círculo en Islandia, de 1974, hoy destruido.

Artificio y como contraste o resalte de la naturaleza

1.      Telas. Es prototípica la obra de Christo & Jeanne-Claude, con ejemplos como Islas rodeadas (1980-1983) en Bahía Vizcaina (Biscayne Bay), Greater Miami, Florida o El Reichstag empaquetado, Berlín, 1995.

2.      Pararrayos, como la instalación de Walter de María titulada Campo de relámpagos, 1974-1977, 400 palos de acero, de distintas alturas, clavadas en Quemado, Nuevo México.

3.     Aparatos, máquinas, móviles en los que intervienen las fuerzas naturales tales como el fuego, el agua o el aire (Susumu Sh).

Marea Negra. Fuente móvil y multimedia con peces vivos. (Toni Milián. 1990)

Redescubrimiento y puesta en escena del orden cósmico y de las fuerzas naturales

1.      Orientaciones solsticios y equinoccios (Robert Morris, Nancy Holt)

2.      El viento a través de la fuerza eólica (Douglas Hollis)

3.     El fuego, la luz y los reflejos (Susumu Shingu)

4.     El agua: corrientes de agua, restos que deposita un río o el mar (Eberhard Eckerle, Dominique Arel)

Otros

El tiempo expresado como arte:

·         La descomposición, el ciclo vital (Jochen Duckwitz, Andrew Leicester)

·         El reciclaje (Gary Rieveschl)

·         "Fecundación" Arte efímero destruido por la superstición de los paseantes (Toni Milián. 1984. Guatiza, Lanzarote)

El paseo como arte:

·         El movimiento (Richard Long, Hamish Fulton). Es típica la obra de Richard Long A Line Made by Walking (1967).

Artistas Land art

Tuvo predecesores, como la obra de Isamu Noguchi (Playgrounds, Playmountains, 1940), Herbert Bayer (Earth Mound de 1966 en Aspen, Colorado) y Dani Karavan (n. 1930, artista de ambientes como su Monumento a la paz en el desierto de Neguev, 1963-1968).

Artistas plenamente considerados de Land art son:

·         Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude (n. 1935), con sus típicos embalajes.

·         Michael Heizer (n. 1944)

·         Robert Morris (n. 1931)

·         Nicolás García Uriburu (n. 1937)

·         Dennis Oppenheim (n. 1938) y sus Snow Projects (proyectos-nieve).

·         Robert Smithson (1938-1973), quien desarrolló el concepto site sculpture (escultura de lugar), esto es, la escultura como parte de un lugar determinado y no como un objeto que se puede llevar de un lugar a otro.

·         Eberhard Bosslet

·         James Turrell

·         Eugenio Bermejo

·         Juan Doffo, argentino

·         Kardo Kosta, Argentino, vive y trabaja en Suiza y Barcelona, Realizó trabajo de Land Art Argentina en 2011, Buenos Aires, Córdoba y Mendoza

·         Agustín Ibarrola

·         Walter De María (n. 1935), que realiza obras de raíces simbólicas y mitológicas.

·         Alice Adams (n. 1930)

·         Pierre Duc

Centros relacionados con el Land Art

Existen centros de arte o parques de esculturas que trabajan en la difusión e investigación de este movimiento artístico en algunos países occidentales. En España existen algunos proyectos como el [Centro_de_Arte_y_Naturaleza_Fundaci%C3%B3n_Beulas|CDAN, Centro de Arte y Naturaleza] de la Fundación Beulas (Huesca), la Fundación NMAC (Montenmedio, Cádiz) y SIERRA centro de arte que tienen como referencia principal el Land art.

Roden Crater[

El artista James Turrell adquirió en 1977 un cráter volcánico de 400,000 años. El cráter está ubicado en el Campo Volcánico de San francisco, muy cerca del "Painted Desert" en Arizona y del Gran Cañón. En 1979, Turrell, comenzó la construcción de su obra más monumental, convirtiendo el cráter en un observatorio a ojo desnudo, y un lugar de exploración de la luz, los astros y los movimientos celestes. Turrell busca que el arte este rodeado de la naturaleza de tal forma que la luz natural defina los espacios. "Roden Crater" es el resultado del patrocinio de la fundación Skytone Foundation en cooperación con the Lannan Foundation y Dia Center for the Arts.